Ennio Morricone e la Colonna Sonora Di “C’era Una Volta In America” di Sergio Leone

Il copione delle riprese era pieno di riferimenti espliciti a temi musicali. Ma Sergio Leone aveva delle idee precise sulle melodie che voleva, che non dovevano nulla a Harry Grey e molto alla sua biografia: “Questa volta ho chiesto a Ennio Morricone una colonna sonora diversa. Abbiamo iniziato con una canzone dell’epoca, “Amapola”. E ho voluto aggiungere a questa alcuni temi musicali molto precisi: “God Bless America” di Irving Berlin, “Night and Day” di Cole Porter, “Summertime” di Gershwin. Oltre alla partitura originale di Morricone e a queste melodie “mitiche” per evocare un’epoca, ho aggiunto qualcosa di attuale: “Yesterday” di John Lennon e Paul McCartney. Le ho scelte… perché erano una forma di nostalgia così lucida nella mia testa e forse nella realtà, perché per me toccavano la base”.

God Bless America” di Irving Berlin era stata scritta nel 1918 per celebrare la fine della Prima Guerra Mondiale, ma non divenne un inno pubblico fino al Giorno dell’Armistizio del 1938, quando fu registrata la versione live di Kate Smith. Quindi, a rigore, associarla ai festeggiamenti per la fine del proibizionismo, nel dicembre 1933, è un leggero anacronismo. Ma la canzone era la favola di un altro immigrato e Leone voleva l’ironia del suo utilizzo in questo contesto. ‘Yesterday’, incisa dai Beatles nel 1965, successivamente la canzone più ‘coverizzata’ della storia, fu chiamata a fare da ponte alla prima sequenza del 1968, anche se riarrangiata come muzak. Doveva essere riproposta come se fosse stata suonata alla festa di Long Island, durante la discussione finale di Noodles con il senatore Bailey.

Leone aveva iniziato a discutere le musiche di C’era una volta in America subito dopo aver completato Giù la testa, e la colonna sonora era più o meno completa nel 1975-6, sette anni prima che venisse girato un metro di pellicola, il che deve essere un record. Da quando Leone si era rivolto a Morricone con il tema del deguello già pronto per Fistful of Dollars, il compositore era stato molto sensibile a partire da un brano musicale trovato da qualcun altro. In questa occasione, però, Carla Leone conferma che “Amapola è stata scelta da Sergio”. Originariamente una melodia spagnola di Joseph M. La Calle, aveva ricevuto un testo in inglese da Albert Gamse ed era diventata uno dei maggiori successi del 1924. Una versione registrata nel 1930 era stata arrangiata da Jimmy Dorsey. Leone potrebbe essersene ricordato nel 1971 quando ascoltò la colonna sonora di Carnal Knowledge, dove la sceneggiatura di Jules Feiffer richiedeva “musica da ballo degli anni Quaranta” nelle sequenze iniziali, e il regista Mike Nichols scelse una versione di “Amapola” riarrangiata da Al Dubin e Harry Warren. Nel 1989, Morricone rifletteva: “Penso che la scelta di Leone fosse giustificata in questa occasione. Il film aveva bisogno di punti di riferimento storici, che si trattasse di questo o di altri brani noti, tutti corrispondenti a date o eventi precisi”.66 (Dopo l’uscita del film, “Amapola” rientrò nel repertorio operistico pop; raggiunse una sorta di apoteosi nel medley finale cantato dai “Tre Tenori” alle Terme di Caracalla nel luglio 1990).

‘Amapola‘ doveva essere ascoltata prima, in un arrangiamento in stile 1924, sul grammofono a carica di Deborah; poi, in un arrangiamento per archi troppo ricco, suonato dall’orchestra del ristorante sul mare durante la grande serata di Noodles. La melodia doveva anche essere intrecciata al “Deborah’s Theme” di Morricone – trasposto da La a Mi maggiore – come se i due si fossero fusi nella memoria di Noodles. La “musica trovata” tendeva a corrispondere a momenti reali della narrazione, con la fonte mostrata sullo schermo. Così come “Cockeye’s Song”, suonata sui tubi di Pan mentre i bambini si pavoneggiano in Delancey Street, e sovrapposta da Morricone a temi ebraici per evocare la comunità etnica in cui sono cresciuti. Si trattava di uno sviluppo dei “riferimenti incrociati” dei film precedenti di Leone. Come ricorda Morricone: “La costruzione musicale è nata dalla nostra consapevole mescolanza di due musiche, alcune provenienti dalla realtà musicale di una determinata epoca, altre composte appositamente”. Per illustrare gli anni ’20 e ’30, ad esempio, ho mantenuto con cura l’orchestrazione del periodo, in modo che il pubblico potesse identificare immediatamente il momento storico in cui si svolge l’azione. Per quanto riguarda i temi originali, dovevano evocare cose meno palpabili, come il passare del tempo o particolari emozioni come la nostalgia, l’amore o la gioia”.

Invece di usare la colonna sonora per rafforzare le grandi sequenze d’azione o per fornire una punteggiatura ironica all’immagine, per C’era una volta in America avrebbe avuto un’atmosfera quasi religiosa, come se richiamasse Noodles al suo lontano passato. Il brano aveva un’impronta melodica tradizionale, in arrangiamenti più mainstream, di solito nella tonalità di Mi. Come dirà Leone, “questa volta le emozioni erano così definite, così forti e così romantiche, che abbiamo deciso che la musica doveva essere meno enfatica del solito… doveva venire da molto lontano”. Ha optato per i tubi di Pan “perché Gheorghe Zamfir, il grande concertista rumeno, mi aveva incantato, e perché i tubi sono gli strumenti più ammalianti – come una voce umana e come un fischio”. Un brano che Leone aveva quasi rifiutato nelle fasi iniziali, temendo una somiglianza con il tema di C’era una volta il West, divenne “Deborah’s Theme”. Leone ricorderà che “questo tema d’amore era stato originariamente composto, credo, per un film di Zeffirelli, ma non fu mai utilizzato”, e la sua scelta continuò la sua antica tradizione (che risale ai tempi di Fistful) di rivalutare la musica di Morricone che altri registi avevano precedentemente scartato – per poi, quando il tema si rivelava un successo, dire a tutti e a ciascuno quanto fosse stato intelligente a individuarne il potenziale.

Il tema consiste in una serie di brevi frasi musicali esitanti, con qualche battuta di silenzio tra di esse: ogni volta che ritornano, le frasi si arricchiscono di nuovi abbellimenti, fino al culmine quando viene introdotta la voce soprano di Edda Dell’Orso. Si tratta di un’espressione musicale diretta del desiderio frustrato di Noodles, che si aggiunge ai momenti di “Amapola”. Ma la voce umana, segnata come un altro strumento musicale, era molto meno presente in C’era una volta in America rispetto ai due precedenti film di Leone. Morricone spiega: C’è una ragione per cui ho usato meno la voce di Edda dell’Orso in questa particolare partitura… ed era giusto non usarla nelle scene d’infanzia. La voce sembrava perfetta per i momenti che lamentano la scomparsa dell’infanzia, per portare il pubblico a pensare ai tempi passati – i trent’anni perduti di Noodles”. Uno di questi momenti è l’ultima immagine del film, quando il tema principale del titolo viene ripetuto, con un’armonia da soprano, mentre Noodles aspira il fumo di una pipa d’oppio, si sdraia sulla schiena e, infine, sorride. Questa musica, ha detto Morricone, “entra nel film quando la macchina da presa guarda negli occhi del personaggio. L’ouverture della Gazza ladra di Rossini, un altro brano di musica “trovata” che accompagna la sequenza dello scambio di bambini, è stata scelta da Carla Leone, così come alcuni degli inserti jazz suonati nello speakeasy di Fat Moe. Per il “Prohibition Dirge”, una maestosa marcia funebre di New Orleans che si trasforma in hot jazz quando la festa entra nel vivo, Morricone ha seguito il copione fornendo un arrangiamento nello stile di Louis Armstrong della metà degli anni Trenta.

I temi principali furono tutti composti entro il 1976, pronti per essere perfezionati e registrati quando finalmente il programma fu ultimato: Leone intendeva suonare la musica sul set “con pochi strumenti, non necessariamente con l’orchestra al completo” – per creare la giusta atmosfera, focalizzare la concentrazione e “aiutare il capo operatore a trovare la morbidezza necessaria per fare le riprese di inseguimento, come se stesse suonando un violino”. Questo era comunque il piano. Le revisioni finali avrebbero richiesto solo un mese e la registrazione un altro. Ma, come sottolinea Morricone, “Sergio e io pensiamo sempre al nostro lavoro fino in fondo, senza mai dichiararci soddisfatti”. E Leone continuava a ripensarci: Ogni tanto Sergio, quando la musica era già scritta, mi telefonava e mi diceva: “Senti, facciamo una riunione veloce, perché comincio ad avere dei dubbi su quel tema per Deborah”. Poi lo ascoltava e si calmava di nuovo. Perché, dopo tutto, gli piaceva ancora. Questo succedeva circa ogni tre mesi… E per gli sceneggiatori a volte sembrava che tutto diventasse una crisi, e che dovessero ricominciare tutto da capo. Con me, invece, sembrava che volesse solo che il suo giudizio fosse confermato di tanto in tanto”.

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